Per quali risultati nell'architettura e nelle tecniche di costruzione divennero famosi gli antichi romani?

Che aspetto avevano la basilica paleocristiana e la chiesa con cupola a croce?

Quali edifici adornavano le città-comuni medievali?

L'angelo sorridente è la personificazione del paradiso.

Statua del portale della cattedrale di Reims. 13° secolo uno.

Architettura. I costruttori dell'alto medioevo trassero molto dalla rigida architettura degli antichi romani, per questo gli edifici fino all'XI-XIII secolo sono detti romanici (da "Roma" - Roma). Il tempio romanico è un edificio massiccio con pareti quasi lisce, alte torri e decorazioni laconiche. I contorni di un arco semicircolare si ripetono ovunque: su volte, aperture di finestre, ingressi al tempio. Allo stesso tempo, i templi romanici assomigliano ai castelli con il loro potere. Anzi, spesso fungevano da rifugio per la popolazione della zona.

Allo stesso tempo, la chiesa romanica è piena di un appello alla buona riflessione e alla preghiera. Anche la sua struttura interna è tipicamente medievale. Si compone di tre o cinque navate; la navata centrale è rialzata rispetto a quelle laterali. In pianta, il tempio romanico si presenta come una croce, al centro della quale si trova una torre terminante con una piramide. Dall'XI secolo iniziò la costruzione su larga scala nell'Europa occidentale. La ricca chiesa aumentò il numero e le dimensioni dei templi, ricostruì vecchi edifici.

A partire dalla metà del XII secolo nelle città libere furono costruiti locali commerciali, sale di riunione per officine e corporazioni, ospedali e alberghi. Le principali decorazioni della città erano il municipio e soprattutto la cattedrale. Gli edifici dei secoli XII-XV furono successivamente chiamati Gotici. Ora l'arco a lancetta leggero e alto poggia all'interno su grappoli di colonne strette e alte e all'esterno su massicci pilastri di supporto e archi di collegamento. Le sale sono ampie e alte, ricevono più luce e aria, sono riccamente decorate con dipinti, intagli, bassorilievi.

Schema in sezione di una chiesa romanica

Interno della chiesa romanica di Saint-Sernin a Tolosa. Francia. XI-XIII secolo

Grazie agli ampi passaggi e alle gallerie, a un gran numero di enormi finestre e sculture in pietra di pizzo, le cattedrali gotiche sembrano trasparenti. I contorni ripetuti dell'arco a lancette, le ripide pendenze dei tetti, le alte torri dei campanili: tutto crea l'impressione di una rapida corsa verso l'alto.

Per molto tempo la cattedrale è stata l'edificio più grande della città, spesso poteva ospitare tutti i cittadini. Non solo ha tenuto un servizio in chiesa, ma ha anche tenuto riunioni,

spettacoli religiosi „ „

Cattedrale di Reims. occidentale fa-

argomenti, ascoltato conferenze di professori di Francia. xsh _ inizio del XIV secolo.

cucciolate. In un'immensa ed elegante cattedrale, tra la sua bellezza e imponenza, una persona era intrisa della gioia di una vacanza, si sentiva

Schema di un tempio gotico all'interno di una cattedrale gotica nella sezione di Bourges. Francia. 13° secolo

la potenza di Dio, diresse verso di lui i suoi pensieri ei suoi sentimenti.

(nome. Frammento della basada della cattedrale 1otr-Dam. Parigi

Le cattedrali medievali deliziano ancora con la loro squisita bellezza, arte e immaginazione dei loro creatori. Le cattedrali furono costruite e decorate nel corso di molti decenni, e talvolta anche secoli. Alla loro costruzione hanno preso parte molti artigiani, a volte di paesi diversi. Al momento della costruzione, tutti gli artigiani si unirono in un artel sotto la guida di un architetto.

Il tempio fu costruito in modo che fosse visibile a tutti e da ogni parte. La campana gli ricordava con il suo suono misurato. Il ritmo dei rintocchi delle campane, gli affreschi delle chiese, le vetrate, le sculture e le icone servivano da misura e modello per le persone medievali nei giorni feriali e festivi. 2.

Scultura. Nel medioevo la scultura era inseparabile dall'architettura e

Informazioni sugli edifici gotici

In questi edifici disponevano così tante sporgenze, fessure, riccioli che privavano le loro cose di ogni proporzionalità, e spesso, ammucchiandosi l'uno sull'altro, raggiungevano un'altezza tale che la sommità della porta toccava il loro tetto. Questo modo è stato inventato dai Goti, perché dopo che gli antichi edifici furono distrutti e le guerre distrussero gli architetti, i superstiti iniziarono a costruire in questo modo, riempiendo l'Italia intera di ciò che il diavolo sa quali strutture ... Dio non voglia qualsiasi paese da un pensiero su opere di questo genere, così informi... (G. Vasari, pittore, architetto, storico dell'arte italiano, XVI sec.)

Come sono rimasto stupito quando mi sono avvicinato alla cattedrale di Strasburgo. Sono rimasto sorpreso dalla sua integrità e grandezza. La cattedrale era composta da migliaia di parti separate, armoniosamente combinate, suscitava delizia e ammirazione, ma era impossibile da comprendere, da spiegare a se stessi. (I. V. Ge-?, scrittore tedesco. XIX sec.)

e 1. Come è cambiato nei secoli l'atteggiamento nei confronti dell'arte gotica? Con l'aiuto di ulteriore letteratura, scopri perché il gotico ha causato un tale rifiuto nelle persone del XVI secolo. 2. Come spiega Vasari l'origine del nome "Gotico"? Controlla se ha ragione.

3. Su quali punti sei personalmente d'accordo o in disaccordo con le opinioni qui presentate? era dedicato a temi religiosi: raffigurava scene descritte nei libri cristiani, rafforzato nella fede e spaventato dai tormenti dell'inferno. I templi erano decorati all'esterno e all'interno con centinaia, se non migliaia, di rilievi e statue raffiguranti Dio e la Vergine Maria, apostoli e santi, vescovi e re. Ad esempio, nella cattedrale di Chartres (Francia) c'erano fino a 9mila statue, senza contare i rilievi.

Margravio Eckehard e sua moglie Uta. Statue della cattedrale di Naumburg. Germania. Circa 1250

Già in stile romanico sono visibili le tecniche sviluppate dal medioevo per decorare i templi. La massima attenzione fu rivolta alla facciata occidentale, dove si trovava l'ingresso principale: le ricche decorazioni della facciata, per così dire, invitavano al tempio. I portali (ingressi) della cattedrale segnavano il confine di due mondi: peccaminoso, terreno e sacro, celeste: la cattedrale li separava e li collegava.

Centauri, chimere e altre creature favolose erano raffigurati sui capitelli delle colonne, sui tetti e sopra le porte. Sono ereditati dalle credenze pagane e dall'arte popolare: fiabe, favole, canzoni.

Cristo benedice.

Statua della cattedrale di Amiens. Francia Intorno al 1220

A differenza dell'arte antica, che glorificava la bellezza del corpo umano, gli artisti del Medioevo cercavano di rivelare la ricchezza dell'anima, i pensieri e i sentimenti di una persona, la sua intensa vita interiore.

C'è più movimento nelle statue gotiche dei santi, le loro sottili figure allungate trasmettono in modo particolarmente vivido il vero aspetto delle persone.

La figura principale dell'arredo nel tempio, nella cella monastica, nella camera da letto dei laici era l'immagine del Cristo crocifisso. L'assenza di peccato e l'esaltazione attraverso la sofferenza e la misericordia: questa è l'idea principale dell'arte medievale.

Molte immagini della Madre di Dio - la Vergine Maria, la Madonna sono state conservate. Fu amata disinteressatamente, fu pregata appassionatamente; è stata vista come un intercessore per il popolo davanti al Figlio. Ma i maestri hanno cercato di cantare il potere sacrificale dell'amore materno nella raffigurazione della Madonna con il Bambino in braccio.

Ingresso centrale della cattedrale di Chartres. Francia. Fine del XII secolo

Frammento della yurta della Cattedrale e di Chartres 3.

La pittura. Le pareti delle chiese romaniche erano ricoperte di dipinti. Ma c'era poco spazio per loro sui muri delle cattedrali gotiche. Enormi finestre erano piene di vetrate colorate: dipinti o motivi realizzati con pezzi di vetro colorato, fissati con bordi di piombo. Attraverso le vetrate colorate, la luce penetrava nel tempio, giocando su colonne, volte e pietre del pavimento con riflessi colorati, e questo dava a tutto un aspetto elegante e festoso.

La grande conquista della pittura fu il libro in miniatura. Molti disegni luminosi riflettevano l'intera vita di persone di diversa origine e ricchezza: come si vestivano e si pettinavano, come arredavano le loro case, lavoravano e passavano il tempo libero, in cosa credevano e di cosa avevano paura. La famosa "Grande cronaca" descrive per immagini l'intera storia della Francia, dai Merovingi al XIV secolo. Le illustrazioni per il libro tedesco di canzoni d'amore mostrano la vita cavalleresca con tornei, cacce e adorazione della Bella Signora.

L'esempio più famoso di miniatura è il Calendario del Duca di Berry.

Fu realizzato all'inizio del XV secolo dai tre fratelli Limburg che lavoravano in Francia. Le miniature del calendario riflettevano un nuovo atteggiamento nei confronti della natura: le persone avevano il desiderio di ammirarne la bellezza.

Immagini di persone dentro

minuti di lavoro, di riposo, nelle relazioni, nelle connessioni con

la natura, la trasmissione della luce, l'uso del chiaroscuro: queste erano le innovazioni nella miniatura del libro.

"Ottobre". Miniatura del XV secolo.

Che atmosfera crea per te la miniatura?

Sugli affreschi erano raffigurate scene quotidiane, tipiche soprattutto delle chiese tedesche e scandinave dei secoli XIV-XV.

1. Sulla base del testo e delle illustrazioni, inventa una storia sulle cattedrali romaniche e gotiche. 2. Sviluppare una tabella per confrontare le cattedrali romaniche e gotiche per singole parti della loro pianta, elementi architettonici, decorazione d'interni. 3. Quali pensieri e sentimenti cercavano di esprimere nelle loro opere architetti e scultori medievali? Con quali mezzi sono riusciti a raggiungere questo obiettivo? 4. Qual è stato l'effetto delle vetrate in una chiesa gotica? 5. Quali novità ha portato il tardo medioevo al libro in miniatura e all'affresco?

E1. Che impressione hanno sullo spettatore moderno le cattedrali gotiche medievali sopravvissute fino ad oggi? 2. Spiega il significato della frase: "Il gotico è figlio della città". 3. Scopri quali erano le somiglianze e quali erano le differenze nell'architettura e nella decorazione degli interni delle chiese cattoliche e ortodosse del Medioevo. Utilizzare documentazione aggiuntiva e risorse Internet. 4. Come è cambiata l'immagine di una persona nell'arte medievale rispetto all'arte antica? 5. Scrivi un saggio a nome di una persona che è venuta per la prima volta in una cattedrale gotica. Quali sentimenti susciterà in lui il tempio con la sua decorazione esterna e interna?

Lezione 2

L'immagine di una persona è uno dei concetti più controversi nella storia della cultura artistica mondiale. In epoche diverse, le persone si percepivano in modo diverso. E da questa percezione, il modo della sua vita è cambiato. Oggi voglio tracciare un parallelo attraverso le epoche storiche e mostrare come questa immagine è cambiata.

L'era dell'antichità.
L'era dell'antichità è considerata l'era dell'illuminazione. La naturalezza era considerata la cosa principale nella percezione del mondo tra le persone e il corpo umano fungeva da standard nel mondo dell'arte. A somiglianza di costruire le proporzioni del corpo umano, le persone eressero edifici. Dio era uomo, e l'uomo era dio. Gli dei furono dotati di passioni e vizi umani e furono erette statue alle persone, come dei. Il corpo umano era un tempio. Lo scultore ha ricreato nel marmo ogni movimento e ogni piega degli abiti. Ogni muscolo era al suo posto, creando l'impressione di un momento congelato nella pietra, come un momento catturato dallo sguardo della Gorgone Medusa.

Non solo la scultura riproduceva il corpo umano. Gli affreschi murali portavano nella stanza ciò che la gente voleva vedere: paesaggi, scene di feste, danze, motivi mitologici, scene di natura erotica. E tutto è stato rappresentato allo stesso modo, con grande precisione.

Nel I-III secolo d.C., dopo la presa dell'Egitto da parte di Alessandro Magno, nella città egiziana di Fayum furono realizzati ritratti funebri, che si distinguevano per una sorprendente somiglianza con una persona vivente e la tecnica di esecuzione ricordava i dipinti del Rinascimento . Ancora una volta, le persone impareranno a scrivere in questo modo solo dopo mille anni.

L'era del medioevo.
L'era del Medioevo, secondo varie stime, durò da ottocento a milleduecento anni in diverse regioni d'Europa. Fu un periodo di tempi travagliati, con molte tappe, sia nella storia che nell'arte. Dio è diventato la cosa principale per l'uomo europeo. Il corpo è diventato un rudimento, una catena per l'anima umana immortale. Dopotutto, l'anima è immortale, ma cos'è il corpo? Il corpo, certo, vuole costantemente qualcosa: ha bisogno di mangiare, di dormire, ha bisogno di calore, ha bisogno di affetto. Gesù ha sofferto per noi sulla croce, e noi dobbiamo soffrire attraverso l'umiltà dei nostri corpi per purificare le nostre anime. Una persona è concepita nel peccato, nasce nel peccato, e per il resto della sua vita cerca di espiare questo peccato per entrare nel Regno dei Cieli.



Come in Egitto: il culto della vita dopo la vita, ma, a differenza dell'Egitto, in una persona medievale, la vita doveva iniziare solo dopo la morte. E poiché il corpo è così deperibile e, in effetti, non necessario, non ha senso cercare di ritrarlo magnificamente. All'inizio, gli artisti hanno imparato a disimparare come disegnare le persone, poi, dopo secoli, hanno cercato di imparare di nuovo.

L'uomo era piccolo e insignificante, ma ciò che si sviluppò fu l'arte e l'architettura del tempio. I tempi travagliati delle guerre furono sostituiti da quelli pacifici: lo stile romanico nell'architettura con le sue spesse mura fortificate e piccole feritoie fu sostituito dal gotico, e divenne il primo stile che unì tutta l'Europa. In epoca gotica, la Chiesa non era più una struttura difensiva, dove molte persone erano protette da Dio (e spesse mura), più persone iniziarono a visitare i templi e gli architetti avevano bisogno di più spazio interno per ospitare tutti i parrocchiani. Ciò è stato deciso distribuendo il peso dell'edificio sulla struttura ad arco all'interno dell'edificio e sugli archi rampanti e archi rampanti - all'esterno. Il nome stesso "Gotico" deriva dalla presa in giro che la costruzione ad arco delle cattedrali somigliasse nell'aspetto alle case costruite dalle tribù dei Goti, legando le cime degli alberi per creare un'abitazione a cupola. La distribuzione dei pesi dell'edificio ha risolto il problema dei muri spessi e ha permesso agli architetti di progettare enormi aperture di finestre, che sono state riempite dalla vetrata che è apparsa contemporaneamente. L'abbondanza di decorazioni ha completato l'immagine - tutto ciò che è nel mondo è fatto dal Creatore - quindi non c'è niente di sbagliato nell'usarlo ovunque. Immagina: un semplice uomo del villaggio viene in città alla chiesa e di fronte a lui si erge una bella enorme struttura traforata. Entra e vede fasci di luce iridescente dalle scintillanti aperture delle finestre raffiguranti santi e scene della Bibbia. E capisce che Dio esiste davvero.

Rinascimento.


Dopo il Medioevo, arriva il Rinascimento, quando le persone iniziarono a scavare città antiche, trovare antichi oggetti d'arte e capire che un tempo era diverso. L'indebolimento del potere della Chiesa porta al fatto che la società diventa più laica. Gli artisti stanno riimparando come disegnare una persona, solo per questo devono aprirla per scoprire dove si trovano i muscoli e le ossa e come disegnare correttamente una silhouette da questo. Continuano a scrivere su argomenti religiosi, ma allo stesso tempo le persone commissionano i loro ritratti di santi, il che mostra quanto la chiesa abbia perso il suo potere nelle loro menti. Gli artisti sperimentano tecniche, inventano nuovi colori, nuovi stili. È noto che Leonardo da Vinci fu uno dei primi che iniziò a dipingere a olio. Il suo contributo al dipinto di Verrocchio "Il Battesimo di Cristo", un angelo inginocchiato, si rivelò così luminoso e vivo che Verrocchio, secondo la leggenda, lasciò la pittura per la scultura, dicendo che lo studente, alla sua prima volta, superò il maestro, e non aveva niente da insegnargli...

Il periodo barocco.
Segue il Rinascimento, ma di carattere diverso, è l'epoca barocca. Le persone dell'era barocca lasciano la loro idea di bellezza dall'antica naturalezza e si sforzano di deformare, modernizzare i loro corpi, dare loro una nuova forma ideale. Andarono di moda corsetti, facce imbiancate con "mosche" dipinte, parrucche incipriate in cui brulicavano pidocchi e topi. A proposito, le parrucche da uomo ricci furono introdotte di moda dal re Luigi XIV. Vivendo secondo il principio di "tenere vicini gli amici e i nemici ancora più vicini", si circondò di ministri e capi militari, che alla fine si trasformarono in sicofanti, cercando di attirare lo sguardo del sovrano e ripetendo i cambi di abbigliamento dopo di lui. Quando Louis iniziò a diventare calvo, indossò una parrucca. Tutti intorno a lui facevano lo stesso.


In epoca barocca erano molto popolari un eccesso di dettagli, decorazioni intagliate, dorature, lampade con un numero enorme di candele. E illusioni ottiche. Soprattutto, in termini di illusioni, si è distinto il barocco italiano. E il pittore e architetto fiorentino, Andrea Pozzo, è considerato un maestro insuperabile. Capolavoro del Pozzo sono gli affreschi dell'abside, del soffitto e la pittura dello spazio a cupola della Chiesa dei Gesuiti romani di San Ignazio. Durante la costruzione della chiesa, per mancanza di fondi, la cupola non fu eretta. I monaci decisero di sostituire la cupola con dei dipinti e, per non esaurire il budget e perché tutto fosse fatto secondo i canoni dei Gesuiti, invitarono a fare questo lavoro uno dei loro monaci, Andrea Pozzo. Pozzo iniziò dipingendo una cupoletta nell'abside dell'edificio. Ai monaci piacque così tanto quest'opera che gli ordinarono di dipingere lo spazio sotto la cupola sopra l'altare.
Nel punto più alto c'è lo stesso sant'Ignazio, fondatore della Chiesa dei Gesuiti, e il Regno dei Cieli lo attende.




La gente ha cominciato a porre più spesso la domanda "Cosa siamo?". Il filosofo francese René Descartes, guardando le statue-fontane alla moda in quel momento, che stavano immobili e, quando una persona si avvicinava a loro, si ravvivava e gli versava acqua addosso, pensò: e se il movimento degli organismi viventi dipendesse anche da leve, ingranaggi e pistoni ? Cominciò a cercare una risposta, sottoponendo ciascuno dei suoi giudizi a una confutazione, e giunse alla conclusione che solo il pensiero restava inconfutabile. Così arrivò alla sua famosa frase successiva: "Cogito ergo sum". "Penso quindi sono."

epoca del classicismo.
Nell'era del classicismo, gli artisti si rivolgono nuovamente alle antiche tradizioni, prendendole come standard. Elementi di edifici antichi compaiono nell'architettura - portici, colonne - nella pittura - statue antiche, i personaggi sono spesso vestiti in maniera antica. Da ciò deriverà successivamente l'accademismo, uno stile artistico contro il quale combatteranno gli impressionisti e altri ribelli dell'arte.

Due diverse parti del mondo.
E, in conclusione, vorrei parlare di due parti del mondo che sono radicalmente diverse nelle loro opinioni su cosa sia la bellezza. Questi sono i paesi dell'Asia orientale - Giappone e Cina - e gli Stati Uniti d'America.
Parlerò di Cina e Giappone insieme, perché la loro cultura ha molto in comune, anche se con una forte influenza della mentalità dei loro paesi. Nella cultura cinese, in quanto tale, non c'è alcun valore della vita umana - ce ne sono sempre stati tanti - uno se ne andrà, un altro prenderà il suo posto. Come dicono gli stessi cinesi: "Non c'è valore nella vita umana - c'è un decreto dell'imperatore" - se devi morire, muori. Ma, d'altra parte, l'obiettivo di ogni singola persona nella vita è raggiungere la felicità personale e nessuno ha il diritto di privarti di questo. Inoltre, nella cultura cinese, ogni simbolo ha un potere nascosto. Costruiscono persino l'architettura a somiglianza di una sorta di geroglifico o segno, in modo che l'edificio stesso funzioni per raggiungere il suo obiettivo. Per il Giappone è troppo difficile. Yin e Yang sono l'unità degli opposti, nel bianco c'è una particella di nero, nella terra c'è una particella di cielo - è troppo difficile per loro. Hanno preso dalla cultura cinese ciò che consideravano sufficiente: armonia e naturalezza.
I tre concetti principali di bellezza nella cultura giapponese sono "yu-gen" - suggerimento - "wabi" - vuoto - e "sabi" - patina, prova di finitezza. Un suggerimento è uno shoji traslucido, la luce che passa attraverso una lanterna di carta. Ciò che è aperto non è interessante. È interessante cosa si nasconde dietro la forma sfocata. In Giappone non esiste un atteggiamento nei confronti della nudità come in Europa: è naturale. E, se è naturale, non è un peccato. La nudità non eccita, se non diretta ad essa. È molto più interessante quando il corpo è nascosto in strati di vestiti, come una perla, e puoi indovinare cosa c'è dentro. Lo stesso si può dire della pasticceria giapponese, che ha un gusto molto delicato e leggero. La dolcezza naturale della pasta di fagioli, dell'agar agar e dei frutti di bosco aggiunti per la decorazione. Non aggiungono zucchero perché la ridondanza non è interessante.
In Europa il vuoto è qualcosa di terribile, di incomprensibile, il vuoto non è niente. In Giappone, il vuoto è ciò da cui deriva tutto. Non disegnano un pettirosso su una peonia, disegnano un vuoto per ombreggiare le figure stesse. Basho, denotando il silenzio, non ha scritto "così piano", ha scritto "puoi sentire il ticchettio dell'orologio". Come il silenzio è enfatizzato attraverso un suono calmo, così qui - l'artista lascia entrare il vuoto nella tela attraverso il posizionamento dei personaggi lì.
La vita non può essere compresa senza la morte. La morte fa parte della vita, quindi attraverso di essa impari la bellezza della vita. I giapponesi chiamano gli europei unilaterali, perché negano la morte e vivono per vivere e godere. Ma dimenticando che la vita è finita, è impossibile goderne appieno la pienezza. Senza bene non c'è male, senza privazione non comprenderete tutto il fascino dell'acquisizione. Allo stesso modo con una cosa. Se ha vissuto la sua vita, se è ricoperta di crepe, squallida - la sua fragilità è visibile - questo la rende ancora più bella - ha un'anima. Anche i nuovi sigilli sono appositamente scheggiati per mostrare la loro finitezza, naturalezza e quindi bellezza. Nell'antichità non erano consentite scheggiature o crepe: l'oggetto è finito, il che significa che non è perfetto. In Giappone, invece - dato che tutto ha una morte - è ancora più valorizzato. I fiori di ciliegio ne sono l'epitome. Perché i petali cadono dagli alberi in pochissimo tempo e devi goderti ogni momento in cui lo vedi.


Gli Stati Uniti infondono la loro cultura nel mondo attraverso i film. La cultura dell'ideale irraggiungibile - la cultura della trasformazione, del vivere nei sogni. Anche George W. Bush ha affermato nel suo discorso che "la santa missione affidata all'America è di far pensare a tutti gli altri come noi". È dall'America che è arrivata la moda per la chirurgia plastica, il raggiungimento del suo ideale inesistente. In un mondo ideale, il protagonista non muore mai. In un mondo ideale, c'è sempre un lieto fine. Non devi seguire rigorosamente nessuna regola, quindi non troverai documentari "storici" affidabili. Questa non è la loro storia - non vanno a lavorare tutti i giorni attraverso il Partenone - vestono la gente con le toghe, montano colonne - già la Grecia. Non importa come le persone interagiscono. Pertanto, ognuno di questi film ci mostra gli americani moderni in scenari diversi. L'importante è essere spettacolari. È lo stesso con gli stili. L'America è un paese con i suoi stili e le sue forme. Non ci sono stili artistici qui che comprendiamo - barocco, classicismo, art nouveau - c'è uno stile di palazzo che contiene tutto ciò che una persona considera di lusso: colonne, un water dorato, un letto a baldacchino. Stile marino, tropicale, industriale e molto altro ancora.
Va anche notato che gli americani sono persone a cui non piace essere considerati stupidi, quindi non amano le forme complesse e le metafore che non riescono a capire. Ciò include anche confronti troppo semplici, per lo stesso motivo. La maggior parte delle persone arriva nel "mezzo d'oro" tra questi poli - in uno spazio splendidamente classificato, velato quel tanto che basta per far sembrare a una persona che lui stesso ha indovinato tutto. E ci sono persone che inventano e creano questa via di mezzo per i cittadini comuni.
La cultura americana è nota per la sua mancanza di folklore. I coloni non avevano i propri miti, non sorsero nuovi dei: erano troppo "adulti" per questo. Pertanto, gli americani hanno creato i propri geni e folletti. Hanno i supereroi. L'America è l'unico paese che ha supereroi. Dopotutto, cos'è un supereroe? Una persona ideale che crea un mondo ideale.

*materiale raccolto da varie fonti

"Brutto" è per usare un eufemismo. I bambini nei dipinti medievali sembrano minuscoli uomini da incubo con livelli di colesterolo alti.

Tali sono i figli del 1350:

Bambino raccapricciante del 1350 nella composizione "Madonna di Veverzha" del maestro dell'altare di Vyshebrodsky. Una foto: .

Oppure eccone un altro del 1333:

Dipinto in Italia "Madonna col Bambino", Paolo Veneziano, 1333. Foto: Portfolio Mondadori/ .

Guardando questi ometti brutti, pensiamo a come siamo riusciti a passare dalle brutte immagini medievali dei bambini ai bambini angelici del Rinascimento e dei tempi moderni. Di seguito due immagini che permettono di vedere quanto è cambiata la percezione del viso di un bambino.

Una foto: .

Foto: Filippino Lippi/ .

Perché c'erano così tanti bambini brutti nei dipinti? Per capirne le ragioni, dobbiamo rivolgerci alla storia dell'arte, alla cultura medievale e persino alle nostre idee moderne sui bambini.

Forse gli artisti medievali erano solo pessimi nel disegnare?

Questo dipinto è del XV secolo dell'artista veneziano Jacopo Bellini, ma il bambino è raffigurato in stile medievale. Una foto: .

I bambini sono stati dipinti apposta come brutti. Il confine tra Medioevo e Rinascimento è utile quando si considera il passaggio dai bambini "brutti" a quelli molto più carini. Il confronto di epoche diverse, di regola, rivela una differenza di valori.

« Quando pensiamo ai bambini sotto una luce fondamentalmente diversa, questo si riflette nelle immagini, - dice Averetto. “Quella è stata la scelta dello stile. Potremmo guardare l'arte medievale e dire che queste persone non stanno bene. Ma se l'obiettivo è far sembrare l'immagine un Picasso e creare un'immagine realistica, allora ti verrà detto che hai sbagliato. Sebbene le innovazioni artistiche siano arrivate con il Rinascimento, non sono il motivo per cui i bambini sono diventati più belli.».

Nota: è generalmente accettato che il Rinascimento abbia avuto inizio nel XIV secolo a Firenze e da lì si sia diffuso in tutta Europa. Tuttavia, come ogni movimento intellettuale, è caratterizzato allo stesso tempo in modo troppo ampio e troppo ristretto: troppo ampio in quanto sembra che i valori rinascimentali siano apparsi all'istante e ovunque, e troppo ristretto in quanto limita il movimento di massa a una zona di innovazione. . C'erano delle lacune nel Rinascimento: era facile vedere l'immagine di un bambino brutto nel 1521 se l'artista era impegnato in questo stile.

Possiamo rintracciare due ragioni per cui i bambini nei dipinti nel Medioevo sembravano un uomo:

• La maggior parte dei bambini medievali erano immagini di Gesù. L'idea di un Gesù omuncolare (che è nato a somiglianza di un adulto, non di un bambino) ha influenzato il modo in cui venivano ritratti tutti i bambini.

I ritratti medievali di bambini, di regola, venivano creati per ordine della chiesa. E questo significa che raffiguravano o Gesù, o molti altri bambini biblici. Nel Medioevo, le idee su Gesù si formarono sotto la forte influenza dell'homunculus, che letteralmente significa uomo. « Secondo questa idea, Gesù apparve completamente formato e non cambiò, dice Averetto. – E se confrontiamo questo con la pittura bizantina, otteniamo un'immagine standard di Gesù. In alcune immagini, sembra avere segni di calvizie maschile.».

Dipinto di Barnaba da Modena (lavorò dal 1361 al 1383). Foto: De Agostini/ .

Gesù omuncolare (dall'aspetto di un adulto) divenne la base per disegnare tutti i bambini. Nel corso del tempo, le persone hanno semplicemente iniziato a pensare che questo fosse il modo in cui i bambini dovrebbero essere rappresentati.

• Gli artisti medievali erano meno interessati al realismo

Questa rappresentazione irrealistica di Gesù riflette un approccio più ampio all'arte medievale: gli artisti del Medioevo erano meno interessati al realismo o alle forme idealizzate rispetto alle loro controparti rinascimentali.

« La stranezza che vediamo nell'arte medievale deriva da un disinteresse per il naturalismo e da una maggiore inclinazione verso le tradizioni espressioniste"., dice Averetto.

A sua volta, ciò ha portato al fatto che la maggior parte delle persone nel Medioevo erano ritratte come simili. " L'idea della libertà artistica nel disegnare le persone nel modo desiderato sarebbe nuova. Sono state rispettate le convenzioni di cui all'art».

A causa dell'adesione a questo stile di pittura, i bambini sembravano papi fuori forma, almeno fino al Rinascimento.

Come i bambini sono tornati belli nel Rinascimento

Dolce bambino in un dipinto di Raffaello, 1506. Foto: immagini d'arte/immagini del patrimonio/.

Cosa è cambiato e ha portato al fatto che i bambini sono tornati a essere belli?

• Fiorì l'arte non religiosa e le persone non volevano che i loro figli assomigliassero a dei piccoli uomini inquietanti.

« Nel Medioevo vediamo meno immagini della classe media e della gente comune."Dice Averetto.

Con il Rinascimento, la situazione iniziò a cambiare, con il fiorire della classe media a Firenze, le persone potevano permettersi i ritratti dei propri figli. La popolarità della ritrattistica è cresciuta e i clienti volevano che i loro figli assomigliassero a dei bei bambini, non a brutti omuncoli. Quindi gli standard nell'arte cambiarono in molti modi e, di conseguenza, nel disegnare ritratti di Gesù.

• L'idealismo rinascimentale ha cambiato l'arte

« Durante il Rinascimento, Averetto dice, - è divampato un nuovo interesse nell'osservare la natura e nel rappresentare le cose come erano effettivamente viste". E non nelle tradizioni espressioniste precedentemente consolidate. Ciò si rifletteva in ritratti di bambini più realistici e in bellissimi cherubini, che assorbivano le migliori caratteristiche delle persone reali.

• I bambini sono stati riconosciuti come creature innocenti

Averett mette in guardia dal fare troppe distinzioni sul ruolo dei bambini nel Rinascimento: i genitori nel Medioevo amavano i loro figli non diversamente che nel Rinascimento. Ma il concetto stesso di bambini e la loro percezione è stato trasformato: da piccoli adulti a creature innocenti.

L'arte del Medioevo è alquanto strana e talvolta molto ambigua. È consuetudine ammirarlo, ma allo stesso tempo anche i critici d'arte a volte tacciono timidamente su ciò che stava accadendo in quel momento. Non c'era dubbio sul realismo nelle immagini, e molti degli artisti erano semplicemente monaci annoiati che disegnavano ai margini dei libri per passare in qualche modo il tempo. Inutile dire che questo periodo è radicalmente diverso da tutto ciò che accadde nell'arte in seguito.

1 coniglietti assassini

I monaci medievali crearono "manoscritti illuminati" - libri in cui ogni pagina era piena di opere d'arte colorate (miniature e ornamenti). A volte riempivano la pagina con bellissime immagini di fiori ed edera. A volte i monaci disegnavano illustrazioni per il libro stesso, ea volte per qualche motivo disegnavano conigli che picchiavano le persone sulla testa. I conigli che torturano le persone sono un tema sorprendentemente comune nell'arte medievale. Gli storici dell'arte moderna non hanno ancora trovato la risposta a questa domanda.

Ci sono immagini di conigli che si precipitano in battaglia, mutilano cavalieri, rapiscono donne, picchiano persone con mazze e le tagliano con asce - e tali disegni non hanno mai nulla a che fare con l'argomento dei libri. La teoria principale è che tali disegni siano stati realizzati nei campi da monaci annoiati che volevano solo divertirsi. Pensavano che l'idea dei conigli che si vendicassero delle persone che li cacciavano fosse divertente. Ma questa è solo una teoria.

2. Gatti che leccano il culo

Le immagini dei gatti sono diventate popolari molto prima di Internet. Gli artisti medievali li hanno dipinti abbastanza spesso. L'unica eccezione è stata che non si sono concentrati sul fare in modo che l'immagine evocasse emozioni positive e attacchi di dolcezza.

Per qualche ragione, gli artisti medievali credevano che ci fosse un solo momento degno di essere immortalato in un'opera d'arte: il momento in cui un gatto si piega e si lecca l'ano. Dopo l'era medievale, è rimasta una collezione stranamente ampia di fusa che si leccavano le natiche oi testicoli. A volte queste immagini sono molto realistiche, ma il più delle volte il gatto è stato raffigurato piegato in un cerchio completo, con la lingua nella regione del quinto punto.

3 Donne a cavallo di Aristotele

Il filosofo greco Aristotele è entrato in scena abbastanza spesso. Ma per un breve periodo all'inizio del Rinascimento, per qualche ragione, iniziò a essere ritratto nella stessa posa strana e specifica. Da diversi anni gli artisti dipingono a quattro zampe uno dei filosofi più rispettati, con una donna a cavallo.

A volte Aristotele aveva una briglia in bocca. In altre occasioni la donna lo ha picchiato. E a volte sarebbe l'immagine schietta di una donna nuda che sculaccia il padre del pensiero scientifico. La fonte di questi dipinti era la storia popolare della moglie di Alessandro Magno, che con l'inganno indusse Aristotele a cavalcarla come un pony.

La morale della storia era che le donne sono seduttrici malvagie e tutti dovrebbero astenersi dai desideri carnali. È così che gli artisti medievali hanno dimostrato al mondo di essere "al di sopra della lussuria".

4. Cavalieri che combattono le lumache

Una delle cose più strane che i monaci amavano rappresentare ai margini dei libri sono le epiche battaglie tra cavalieri e lumache. Tra il XIII e il XIV secolo, per ragioni sconosciute, questo divenne un argomento molto popolare.

"Si possono trovare ovunque ai margini dei manoscritti gotici", ha detto uno studioso. "Sono letteralmente ovunque e nessuno sa perché". Alcuni credono che questa sia un'allegoria della lotta sociale, della discriminazione o della lotta disperata di una persona contro la morte inevitabile, mentre altri attribuiscono tutto alla noia dei monaci.

5. Mosè con le corna

Per molto tempo la gente aveva la strana abitudine di disegnare immagini di Mosè con le corna in testa. È abbastanza strano rappresentare un dettaglio dall'aspetto così demoniaco sull'uomo che ha portato gli ebrei fuori dall'Egitto. Eppure, ci sono molti esempi simili (anche Michelangelo ne ha dipinti di simili).

C'è un'opinione secondo cui gli artisti medievali non pensavano nemmeno di prendere in giro Mosè. Credevano davvero che avesse le corna. La maggior parte delle traduzioni della Bibbia dice che quando Mosè scese dal monte Sinai con i Dieci Comandamenti, il suo volto fu "illuminato da raggi di luce". Ma la parola ebraica originale "keren" può significare sia "raggio di luce" che "corno".

Pertanto, la Bibbia potrebbe effettivamente affermare che Mosè aveva le corna. In epoca medievale fu stampata addirittura una copia della Bibbia, che diceva che Mosè scese dalla montagna con le corna in testa. Sembra pazzesco, ma alcune persone pensano ancora che questa sia la traduzione corretta.

6. Maria Maddalena ricoperta di capelli

Quando gli artisti gotici dipingevano Maria Maddalena, la facevano sembrare una "mostra" del circo di Barnum. Dipinsero una donna che, sotto il collo, era completamente ricoperta di folti capelli. Inoltre, non si trattava di uno strano feticcio medievale, ma è proprio così che, secondo la loro opinione delle persone in quel momento, un santo avrebbe dovuto apparire. A quel tempo, la storia di Maria Maddalena si concluse con il fatto che fosse ricoperta di capelli lanosi, che la facevano sembrare una capra.

Secondo la leggenda, Maria Maddalena abbandonò completamente tutti i beni terreni dopo la morte di Gesù. Ha smesso di fare il bagno e di cambiarsi, e alla fine i suoi vestiti erano completamente logori e strappati. Il miracolo che salvò Maria dal vagare per il mondo nuda furono i capelli che le crescevano su tutto il corpo. Dopodiché, per il resto della sua vita, Maria rimase nuda e pelosa.

7. Uccidere persone spensierate

Gran parte dell'arte medievale era violenta. Ma per quanto terribile fosse la morte di qualcuno, la vittima era sempre annoiata. Ci sono immagini di persone calpestate dai cavalieri, a cui è stato conficcato un coltello nel cranio o che sono state uccise a colpi di asce. Tuttavia, in ogni foto, la vittima sembra che stia lottando per trattenere uno sbadiglio. La teoria sostiene che tutto abbia a che fare con il concetto medievale di Ars moriendi, l'arte di morire bene. La morte, secondo le persone a quel tempo, era una prova morale.

Era un momento in cui una persona doveva affrontare il giudizio divino e il modo in cui reagiva a questo parlava del suo carattere. Se una persona piangeva, urlava e imprecava al momento della morte, significava che probabilmente sarebbe andata all'inferno. E se l'ultimo respiro è stato accolto con un sorriso, allora la persona è andata in paradiso. Tutti quei morti annoiati potrebbero semplicemente mostrare la loro stoica disponibilità ad andare in paradiso. Oppure gli artisti medievali erano semplicemente pessimi nel disegnare le espressioni facciali.

8. Persone in "navi spaziali"

Per qualche ragione, molti esempi di arte medievale mostrano persone che volano in giro in piccole macchine che assomigliano stranamente allo Sputnik 1. Questo è comune in tutte le immagini di Gesù. I dipinti medievali mostrano momenti importanti della vita di Cristo, come il momento in cui sua madre Maria prese per la prima volta il bambino tra le sue braccia, o il momento in cui morì sulla croce.

Nell'angolo dell'immagine nel cielo, c'è invariabilmente un ometto nella "cabina di pilotaggio di un piccolo razzo bianco" che vola nello spazio. Ci sono diverse teorie su cosa rappresentano queste immagini. La teoria più accademica è che le immagini siano intese a simboleggiare la "presenza aliena di Dio". Questa è solo una teoria e l'unica spiegazione che viene da un artista medievale stesso suona completamente fantastica.

L'incisione di Hans Glaser mostra il cielo sopra la città, pieno di tubi e sfere. Glaser ha firmato l'incisione, affermando che si trattava di un'immagine di ciò che ha visto accadere nel cielo di Norimberga: una battaglia tra oggetti volanti sconosciuti. Le registrazioni sopravvivono che la battaglia si è conclusa con sfere e diverse "canne" che volano verso il sole e molti altri oggetti che si sono schiantati al suolo in una nuvola di fumo.

9. Demoni con facce inguinali

Gli artisti medievali amavano disegnare demoni. La loro arte era piena di mostri terrificanti che stavano per prendere le anime degli innocenti. E per qualche ragione, molti dei demoni avevano due occhi, un naso e una grande bocca proprio sull'inguine. Queste foto erano stranamente sexy.

Spesso la faccia inguinale del demone emetteva uno strano fuoco fallico proprio tra le gambe. A volte queste facce non coprivano solo l'inguine, ma si trovavano sulla punta dei genitali. Era un modo per mostrare il male dell'irragionevole tentazione sessuale. I demoni avrebbero dovuto simboleggiare i pericoli della lussuria e le facce sull'inguine erano un modo per mostrare dove si nascondeva il vero volto del male.

Alcune persone erano così preoccupate per i pericoli della lussuria che i demoni erano il soggetto artistico più popolare durante il Medioevo. Apparentemente, altre persone erano meno preoccupate, perché il secondo argomento più popolare erano le persone impegnate nei piaceri carnali.

10. Cose che sporgono dal sedere

Sembra che quando gli artisti medievali non stavano disegnando animali assassini e demoni con le facce dell'inguine, riempissero i loro libri di illustrazioni che sembravano molto strane accanto alla parola di Dio: immagini di persone con varie cose che spuntavano dall'ano.

Di solito si trattava di tubi, ma esistono altri esempi. Alcune pagine erano decorate con bellissimi motivi di fiori e foglie che erano usciti da un uomo proteso all'indietro verso il lettore. Era anche abbastanza comune vedere immagini di persone che lanciavano frecce contro bersagli rotondi rossi dipinti l'uno sulle natiche dell'altro. Perché l'abbiano disegnato è un mistero.

Il tema dell'arte del Medioevo è di interesse per molti oggi. Dopotutto, non è stato invano che un progetto comico sia apparso in rete. In precedenza, abbiamo pubblicato 15 dipinti con didascalie sarcastiche moderne che erano incluse in esso.