Pentru ce realizări în arhitectură și tehnici de construcție au devenit faimoși romanii antici?

Cum arătau bazilica creștină timpurie și biserica cu cupolă în cruce?

Ce clădiri împodobeau orașele-comune medievale?

Îngerul zâmbitor este personificarea paradisului.

Statuia portalului Catedralei din Reims. secolul al XIII-lea unu.

Arhitectură. Constructorii Evului Mediu timpuriu au luat multe din arhitectura strictă a vechilor romani și, prin urmare, clădirile de până în secolele XI-XIII sunt numite romanice (de la „Roma” - Roma). Templul romanic este o clădire masivă cu ziduri aproape netede, turnuri înalte și decor laconic. Contururile unui arc semicircular se repetă peste tot - pe bolți, deschideri de ferestre, intrări în templu. În același timp, templele romanice seamănă cu castele cu puterea lor. Într-adevăr, acestea serveau adesea drept refugiu pentru populația zonei.

În același timp, biserica romanică este plină de un apel la bună reflecție și rugăciune. Structura sa internă este, de asemenea, tipic medievală. Se compune din trei sau cinci nave; naosul central este ridicat deasupra celor laterale. În plan, templul romanic arată ca o cruce, în centrul căreia se află un turn care se termină cu o piramidă. Începând cu secolul al XI-lea, în Europa de Vest a început construcția pe scară largă. Biserica bogată a mărit numărul și dimensiunea templelor, a reconstruit clădiri vechi.

De la mijlocul secolului al XII-lea, în orașele libere au fost construite spații comerciale, săli de întâlnire pentru ateliere și bresle, spitale și hoteluri. Principalele decorațiuni ale orașului au fost primăria și mai ales catedrala. Clădirile din secolele XII-XV au fost numite mai târziu gotice. Acum arcul de lancet ușor și înalt se sprijină în interior pe mănunchiuri de coloane înguste și înalte, iar în exterior - pe stâlpi de sprijin masiv și arcuri de legătură. Salile sunt spatioase si inalte, primesc mai multa lumina si aer, sunt bogat decorate cu picturi, sculpturi, basoreliefuri.

Schema în secțiune a unei biserici în stil romanic

Interiorul bisericii romanice Saint-Sernin din Toulouse. Franţa. secolele XI-XIII

Datorită pasajelor largi și prin galerii, un număr mare de ferestre uriașe și sculpturi în piatră dantelate, catedralele gotice par transparente. Contururile repetate ale arcului de lancet, pantele abrupte ale acoperișurilor, turnurile înalte ale clopotnițelor - totul creează impresia unei repezi rapide în sus.

Multă vreme, catedrala a fost cea mai mare clădire din oraș, de multe ori putea găzdui toți cetățenii. Nu numai că a ținut o slujbă bisericească, ci și a ținut întâlniri,

spectacole pe teme religioase „ „

Catedrala din Reims. fa-

subiecte, ascultate prelegeri ale profesorilor din Franța. xsh _ începutul secolului al XIV-lea.

aşternuturi. Într-o catedrală uriașă și elegantă, printre frumusețea și grandoarea ei, o persoană era impregnată de bucuria unei sărbători, simțită

Schema unui templu gotic în interiorul unei catedrale gotice din secțiunea Bourges. Franţa. secolul al XIII-lea

puterea lui Dumnezeu, și-a îndreptat gândurile și sentimentele către el.

(nume. Fragment din baza catedralei 1otr-Dam. Paris

Catedralele medievale încă încântă cu frumusețea lor rafinată, arta și imaginația creatorilor lor. Catedralele au fost construite și decorate de-a lungul mai multor decenii și uneori chiar secole. La construcția lor au luat parte mulți meșteri, uneori din diferite țări. În momentul construcției, toți meșterii s-au unit într-un artel sub îndrumarea unui arhitect.

Templul a fost construit astfel încât să fie vizibil pentru toată lumea și de pretutindeni. Clopotul îi amintea cu sunetul lui măsurat. Ritmul clopotelor, frescele bisericii, vitraliile, sculpturile și icoanele au servit ca măsură și model pentru oamenii medievali în zilele lucrătoare și de sărbători. 2.

Sculptură. În Evul Mediu, sculptura era inseparabilă de arhitectură și pre-

Informații despre clădirile gotice

În aceste clădiri au aranjat atâtea proeminențe, goluri, bucle, încât își lipseau lucrurile de orice proporționalitate și adesea, îngrămădindu-se una peste alta, ajungeau la o înălțime atât de mare încât vârful ușii le atingea acoperișul. Acest mod a fost inventat de goți, deoarece după ce clădirile antice au fost distruse și războaiele i-au distrus pe arhitecți, supraviețuitorii au început să construiască în acest fel, umplând toată Italia cu diavolul știe ce fel de structuri... Doamne ferește orice țară. dintr-un gând despre lucrări de acest fel, atât de lipsite de formă... (G. Vasari, pictor, arhitect, istoric de artă italian, secolul al XVI-lea.)

Cât de uimit am fost când m-am apropiat de Catedrala din Strasbourg. Am fost surprins de integritatea și grandoarea lui. Catedrala era formată din mii de părți separate, îmbinate armonios, ducea la încântare și admirație, dar era imposibil de înțeles, de explicat. (I. V. Ge-?, scriitor german. Secolul XIX.)

și 1. Cum s-au schimbat atitudinile față de arta gotică de-a lungul secolelor? Cu ajutorul literaturii suplimentare, aflați de ce goticul a provocat o astfel de respingere în oamenii secolului al XVI-lea. 2. Cum explică Vasari originea numelui „gotic”? Verifică dacă are dreptate.

3. În ce puncte sunteți personal de acord sau dezacord cu opiniile prezentate aici? a fost dedicat temelor religioase: înfățișate scene descrise în cărțile creștine, întărite în credință și speriate de chinurile iadului. Templele erau decorate în exterior și în interior cu sute, dacă nu mii, de reliefuri și statui înfățișând pe Dumnezeu și pe Fecioara Maria, apostoli și sfinți, episcopi și regi. De exemplu, în catedrala din Chartres (Franța) erau până la 9 mii de statui, fără a număra reliefurile.

Margravul Eckehard și soția sa Uta. Statui ale catedralei din Naumburg. Germania. Aproximativ 1250

Deja în stilul romanic sunt vizibile tehnicile dezvoltate de Evul Mediu pentru decorarea templelor. Cea mai mare atenție a fost acordată fațadei de vest, unde se afla intrarea principală: decorațiunile bogate ale fațadei, parcă, invitau la templu. Portalurile (intrările) ale catedralei marcau granița a două lumi - păcătoasă, pământească și sacră, cerească: catedrala le despărțea și le lega.

Centauri, himere și alte creaturi fabuloase au fost înfățișate pe capitelurile coloanelor, acoperișurilor și deasupra ușilor. Ele sunt moștenite din credințele păgâne și arta populară - basme, fabule, cântece.

Hristos binecuvântând.

Statuia catedralei din Amiens. Franța în jurul anului 1220

Spre deosebire de arta antică, care glorifica frumusețea corpului uman, artiștii Evului Mediu au căutat să dezvăluie bogăția sufletului, gândurile și sentimentele unei persoane, viața sa interioară intensă.

Există mai multă mișcare în statuile gotice ale sfinților, figurile lor subțiri alungite transmit deosebit de viu adevărata înfățișare a oamenilor.

Figura principală de decor în templu, în chilia monahală, în dormitorul mirenilor era chipul lui Hristos răstignit. Fără de păcat și exaltare prin suferință și milă - aceasta este ideea principală a artei medievale.

S-au păstrat multe imagini ale Maicii Domnului - Fecioara Maria, Madona. Era iubită dezinteresat, s-a rugat cu pasiune; ea a fost văzută ca o mijlocitoare pentru oameni înaintea Fiului. Dar maeștrii au căutat să cânte puterea de jertfă a iubirii materne în reprezentarea Madonei cu Pruncul în brațe.

Intrarea centrală în Catedrala Chartres. Franţa. Sfârșitul secolului al XII-lea

Fragment din iurta Catedralei și Chartres 3.

Pictura. Pereții bisericilor romanice erau acoperiți cu picturi. Dar era puțin loc pentru ei pe pereții catedralelor gotice. Ferestre uriașe erau umplute cu vitralii - tablouri sau modele din bucăți de sticlă colorată, prinse cu jante de plumb. Prin vitralii, lumina pătrundea în templu, jucându-se pe coloanele, bolțile și pietrele de podea cu accente colorate, iar asta dădea totul un aspect elegant, festiv.

Marea realizare a picturii a fost miniatura cărții. O mulțime de desene strălucitoare reflectau întreaga viață a oamenilor de diferite origini și bogății: cum se îmbrăcau și își pieptănau părul, își mobilau casele, munceau și își petreceau timpul liber, în ce credeau și de ce le era frică. Celebra „Mare Cronică” descrie în imagini întreaga istorie a Franței, de la merovingieni până în secolul al XIV-lea. Ilustrațiile pentru cartea germană de cântece de dragoste arată viața cavalerească cu turnee, vânătoare și închinare la Frumoasa Doamnă.

Cel mai faimos exemplu de miniatură este Calendarul Ducelui de Berry.

A fost realizată la începutul secolului al XV-lea de către cei trei frați Limburg care lucrau în Franța. Miniaturale calendarului reflectau o nouă atitudine față de natură: oamenii aveau dorința de a-i admira frumusețea.

Poze cu oameni din

minute de munca, odihna, in relatii, legaturi cu

natura, transmiterea luminii, folosirea clarobscurului - acestea au fost inovațiile în miniatura cărților.

"Octombrie". Miniatura secolului al XV-lea.

Ce stare de spirit îți creează miniatura?

Scene de zi cu zi au fost, de asemenea, descrise pe fresce, ceea ce este tipic în special pentru bisericile germane și scandinave din secolele XIV-XV.

1. Pe baza textului și a ilustrațiilor, alcătuiește o poveste despre catedralele romanice și gotice. 2. Elaborați un tabel pentru a compara catedralele romanice și gotice pentru părți individuale ale planului lor, elemente arhitecturale, decorațiuni interioare. 3. Ce gânduri și sentimente au căutat să exprime arhitecții și sculptorii medievali în lucrările lor? Prin ce mijloace au reușit acest lucru? 4. Care a fost efectul vitraliilor dintr-o biserică gotică? 5. Ce lucruri noi a adus Evul Mediu târziu în cartea picturii în miniatură și în frescă?

E1. Ce impresie fac asupra privitorului modern catedralele gotice medievale care au supraviețuit până în zilele noastre? 2. Explicați sensul frazei: „Goticul este copilul orașului”. 3. Aflați care au fost asemănările și care au fost diferențele în arhitectura și decorarea interioară a bisericilor catolice și ortodoxe din Evul Mediu. Utilizați literatură suplimentară și resurse de internet. 4. Cum s-a schimbat imaginea unei persoane în arta medievală în comparație cu arta antică? 5. Scrieți un eseu în numele unei persoane care a venit prima dată la o catedrală gotică. Ce sentimente va evoca templul în el cu decorul său extern și interior?

Lectia 2

Imaginea unei persoane este unul dintre cele mai controversate concepte din istoria culturii artistice mondiale. De-a lungul diferitelor ere, oamenii s-au perceput diferit. Și din această percepție, felul său de viață s-a schimbat. Astăzi vreau să fac o paralelă prin epoci istorice și să arăt cum s-a schimbat această imagine.

Epoca antichității.
Epoca antichității este considerată epoca iluminismului. Naturalitatea a fost considerată principalul lucru în percepția lumii în rândul oamenilor, iar corpul uman a servit ca standard în lumea artei. În asemănarea cu construirea proporțiilor corpului uman, oamenii au ridicat clădiri. Dumnezeu era om, iar omul era dumnezeu. Zeii erau înzestrați cu pasiuni și vicii umane, iar oamenilor li se ridicau statui, ca niște zei. Corpul uman era un templu. Sculptorul a recreat în marmură fiecare mișcare și fiecare pliu de pe haine. Fiecare mușchi era la locul lui, creând impresia unui moment încremenit în piatră, ca un moment surprins de privirea Gorgonei Meduse.

Nu numai sculptura a reprodus corpul uman. Frescele de perete au adus în cameră ceea ce oamenii doreau să vadă - peisaje, scene de sărbători, dansuri, motive mitologice, scene de natură erotică. Și totul a fost descris în același mod - cu mare acuratețe.

În secolele I-III d.Hr., după capturarea Egiptului de către Alexandru cel Mare, în orașul egiptean Fayum au fost realizate portrete funerare, care se distingeau printr-o asemănare izbitoare cu o persoană vie, iar tehnica de execuție semăna cu picturile Renașterii. . Din nou, oamenii vor învăța să scrie așa abia după o mie de ani.

Epoca Evului Mediu.
Epoca Evului Mediu, conform diverselor estimări, a durat de la opt sute la o mie două sute de ani în diferite regiuni ale Europei. A fost o perioadă de vremuri tulburi, incluzând multe repere, atât în ​​istorie, cât și în artă. Dumnezeu a devenit principalul lucru pentru omul european. Trupul a devenit un rudiment, un lanț pentru sufletul uman nemuritor. La urma urmei, sufletul este nemuritor, dar ce este trupul? Corpul, desigur, își dorește constant ceva: are nevoie să mănânce, să doarmă, are nevoie de căldură, are nevoie de afecțiune. Isus a suferit pentru noi pe cruce, iar noi trebuie să suferim prin smerenia trupurilor noastre pentru a ne curăți sufletele. O persoană este concepută în păcat, născut în păcat și pentru tot restul vieții încearcă să ispășească acest păcat pentru a intra în Împărăția Cerurilor.



Ca și în Egipt - cultul vieții după viață, dar, spre deosebire de Egipt, la o persoană medievală, viața trebuia să înceapă numai după moarte. Și, din moment ce corpul este atât de perisabil și, de fapt, inutil, nu are rost să încerci să-l portretizezi frumos. La început, artiștii au învățat cum să dezvețe cum să deseneze oamenii, apoi, după secole, au încercat să învețe din nou.

Omul era mic și nesemnificativ, dar ceea ce s-a dezvoltat a fost arta și arhitectura templului. Vremurile tulburi ale războaielor au fost înlocuite cu altele pașnice - stilul romanic în arhitectură, cu zidurile sale groase fortificate și ferestrele mici, a fost înlocuit cu cel gotic și a devenit primul stil care a unit toată Europa. În epoca gotică, Biserica nu mai era o structură defensivă, unde mulți oameni erau protejați de Dumnezeu (și ziduri groase), tot mai multă lume începea să viziteze templele, iar arhitecții aveau nevoie de mai mult spațiu interior pentru a găzdui toți enoriașii. Acest lucru s-a decis prin distribuirea greutății clădirii pe structura arcuită din interiorul clădirii și pe contraforturile și contraforturile zburătoare - în exterior. Însuși numele „gotic” provine din batjocura că construcția arcuită a catedralelor semăna în aspectul lor cu casele construite de triburile goților, legând vârfurile copacilor pentru a crea o locuință cu cupolă. Distribuția greutății clădirii a rezolvat problema zidurilor groase și a permis arhitecților să proiecteze deschideri uriașe de ferestre, care au fost umplute de vitraliul care a apărut în același timp. Abundența decorului a completat imaginea - tot ce este în lume este făcut de Creator - așa că nu este nimic rău în a-l folosi peste tot. Imaginați-vă: un om simplu din sat vine în oraș la biserică și în fața lui stă o structură uriașă ajurata. El pășește înăuntru și vede fascicule de lumină irizată de la deschiderile strălucitoare ale ferestrelor care înfățișează sfinți și scene din Biblie. Și el înțelege că Dumnezeu există cu adevărat.

Renaştere.


În urma Evului Mediu, vine Renașterea, când oamenii au început să dezgroape orașe antice, să găsească obiecte de artă antice și să înțeleagă că odată a fost diferit. Slăbirea puterii bisericii duce la faptul că societatea devine mai laică. Artiștii reînvață cum să deseneze o persoană, numai pentru aceasta trebuie să o deschidă pentru a afla unde se află mușchii și oasele și cum să deseneze corect o siluetă din aceasta. Continuă să scrie pe teme religioase, dar, în același timp, oamenii își comandă portretele ca sfinți, ceea ce arată cât de mult și-a pierdut biserica puterea în mintea lor. Artiștii experimentează cu tehnici, inventează noi culori, noi stiluri. Se știe că Leonardo da Vinci a fost unul dintre primii care a început să picteze în ulei. Contribuția sa la pictura lui Verrocchio „Botezul lui Hristos”, un înger îngenuncheat, s-a dovedit atât de strălucitoare și de vie încât Verrocchio, conform legendei, a lăsat pictura pentru sculptură, spunând că elevul, chiar pentru prima dată, l-a depășit pe profesor și nu avea ce sa-l invete...

Perioada barocului.
Urmează Renașterea, dar diferită ca caracter, este epoca barocului. Oamenii epocii baroc părăsesc ideea de frumusețe din naturalețea străveche și se străduiesc să-și deformeze, să-și modernizeze corpurile, să le dea o formă nouă, ideală. Corsetele, fețele văruite cu „muște” pictate, perucile pudrate în care roiau păduchi și șoareci au intrat la modă. Apropo, perucile creț pentru bărbați au fost introduse în modă de regele Ludovic al XIV-lea. Trăind pe principiul „ține prietenii apropiați și dușmanii și mai aproape”, s-a înconjurat de miniștri și lideri militari, care în cele din urmă s-au transformat în sicofanți, căutând să atragă privirea conducătorului și repetă schimbări de îmbrăcăminte după el. Când Louis a început să chel, și-a pus o perucă. Toți cei din jurul lui au făcut la fel.


În epoca barocului, un exces de detalii, decorațiuni sculptate, aurire, lămpi cu un număr mare de lumânări erau foarte populare. Și iluzii optice. Cel mai mult, în ceea ce privește iluziile, barocul italian s-a remarcat. Iar pictorul și arhitectul florentin Andrea Pozzo este considerat un maestru de neîntrecut. Frescele absidei, tavanului și pictura spațiului cu cupolă al Bisericii Iezuite Romane San Ignazio sunt considerate capodopera lui Pozzo. În timpul construcției bisericii, din lipsă de fonduri, cupola nu a fost ridicată. Călugării au decis să înlocuiască cupola cu picturi și, pentru a nu rămâne fără buget și pentru ca totul să se facă conform canoanelor iezuite, l-au invitat pe unul dintre călugării lor, Andrea Pozzo, să facă această lucrare. Pozzo a început prin a picta o mică cupolă în absida clădirii. Călugărilor le-a plăcut atât de mult această lucrare, încât i-au ordonat să picteze spațiul de sub dom de deasupra altarului.
În punctul cel mai înalt se află însuși Sfântul Ignazio, întemeietorul Bisericii Iezuite, iar Împărăția Cerurilor îl așteaptă.




Oamenii au început să pună mai des întrebarea „Ce suntem?”. Filosoful francez Rene Descartes, urmărind statui-fântâni la modă în acea vreme, care stăteau nemișcate și, când o persoană se apropia de ele, reînvia și turna apă peste el, s-a gândit - dacă mișcarea organismelor vii depinde și de pârghii, roți dințate și pistoane ? A început să caute un răspuns, supunând fiecare dintre judecățile sale unei respingeri și a ajuns la concluzia că numai gândul rămâne de nerefuzat. Așa că a ajuns la fraza sa celebră de mai târziu - „Cogito ergo sum”. "Gandesc, deci exist."

era clasicismului.
În epoca clasicismului, artiștii se îndreaptă din nou către tradițiile antice, luându-le drept standard. Elemente ale clădirilor antice apar în arhitectură - portice, coloane - în pictură - statui antice, personajele sunt adesea îmbrăcate în manieră antică. De aici va veni ulterior academicismul - un stil în artă împotriva căruia impresioniștii și alți rebeli ai artei se vor lupta.

Două părți diferite ale lumii.
Și, în concluzie, aș vrea să vorbesc despre două părți ale lumii care sunt radical diferite în părerile lor despre ce este frumusețea. Acestea sunt țările din Asia de Est - Japonia și China - și Statele Unite ale Americii.
Voi vorbi despre China și Japonia împreună, pentru că cultura lor are multe în comun, deși cu o influență puternică a mentalității țărilor lor. În cultura chineză, ca atare, nu există nicio valoare a vieții umane - au fost întotdeauna multe dintre ele - unul va pleca, altul îi va lua locul. După cum spun chinezii: „Nu există nicio valoare în viața umană - există un decret al împăratului” - dacă trebuie să mori, mori. Dar, pe de altă parte, scopul fiecărei persoane în viață este să obțină fericirea personală și nimeni nu are dreptul să te priveze de asta. De asemenea, în cultura chineză, fiecare simbol are o putere ascunsă. Ei construiesc chiar arhitectura asemănătoare cu un fel de hieroglifă sau semn, astfel încât clădirea în sine funcționează pentru a-și atinge scopul. Pentru Japonia, este prea dificil. Yin și Yang sunt unitatea contrariilor, în alb există o particulă de negru, în pământ este o particulă de cer - este prea dificil pentru ei. Ei au luat din cultura chineză ceea ce au considerat suficient - armonie și naturalețe.
Cele trei concepte principale ale frumuseții în cultura japoneză sunt „yu-gen” – indiciu – „wabi” – gol – și „sabi” – patina, dovada finității. Un indiciu este un shoji translucid, lumină care trece printr-un felinar de hârtie. Ceea ce este deschis nu este interesant. Este interesant ce se află în spatele formei neclare. În Japonia, nu există o astfel de atitudine față de nuditate ca în Europa - acest lucru este firesc. Și, dacă este firesc, atunci nu este o rușine. Nuditatea nu excită, dacă nu este îndreptată către ea. Este mult mai interesant atunci când corpul este ascuns în straturi de îmbrăcăminte, ca o perlă, și poți ghici ce este înăuntru. Același lucru se poate spune despre cofetăria japoneză, care are un gust foarte delicat, ușor. Dulceața naturală a pastei de fasole, agar agar și fructelor de pădure adăugată pentru decor. Nu adaugă zahăr pentru că redundanța nu este interesantă.
În Europa, golul este ceva teribil, de neînțeles, golul este nimic. În Japonia, goliciunea este de la care vine totul. Ei nu desenează un robin peste un bujor - ei desenează un gol pentru a umbri figurile. Basho, denotând tăcere, nu a scris „atât de liniștit”, a scris „puti auzi ticăitul ceasului”. Așa cum tăcerea este subliniată printr-un sunet liniștit, la fel aici - artistul lasă golul în pânză prin plasarea personajelor acolo.
Viața nu poate fi înțeleasă fără moarte. Moartea este o parte a vieții, așa că prin ea înveți frumusețea vieții. Japonezii îi numesc pe europeni unilaterali, pentru că ei neagă moartea și trăiesc pentru a trăi și a se bucura. Dar uitând că viața este finită, este imposibil să ne bucurăm pe deplin de plenitudinea ei. Fără bunătate, nu există rău; fără lipsuri, nu vei înțelege tot farmecul dobândirii. La fel cu un lucru. Dacă și-a trăit viața, dacă este acoperită de crăpături, ponosită - e vizibilă fragilitatea - asta o face și mai frumoasă - are suflet. Chiar și sigiliile noi sunt ciobite special pentru a-și arăta caracterul finit, naturalețea - și, prin urmare, frumusețea. În antichitate, nu erau permise așchii sau crăpături - obiectul este finit, ceea ce înseamnă că nu este perfect. În Japonia, dimpotrivă - din moment ce totul are o moarte - este prețuit și mai mult. Florile de cireș sunt simbolul acestui lucru. Pentru că petalele cad din copaci într-un timp foarte scurt și trebuie să te bucuri de fiecare moment în care îl vezi.


Statele Unite își insuflă cultura în lume prin filme. Cultura idealului de neatins - cultura transformării, a trăirii în vise. Chiar și George W. Bush a spus în discursul său că „sfânta misiune încredințată Americii este de a-i face pe toți ceilalți să gândească la fel ca noi”. Din America a venit moda chirurgiei plastice - realizarea idealului său inexistent. Într-o lume ideală, personajul principal nu moare niciodată. Într-o lume ideală, există întotdeauna un final fericit. Nu trebuie să respectați cu strictețe nicio regulă, așa că nu veți găsi non-documentare „istorice” de încredere. Aceasta nu este povestea lor - nu merg zilnic la muncă prin Partenon - au îmbrăcat oamenii în toge, au pus coloane - deja Grecia. Nu contează cum interacționează oamenii. Prin urmare, fiecare astfel de film ne arată americanii moderni în peisaje diferite. Principalul lucru este să fii spectaculos. La fel este și cu stilurile. America este o țară cu propriile stiluri și forme. Nu există stiluri artistice pe care să le înțelegem – baroc, clasicism, art nouveau – există un stil de palat care conține tot ceea ce o persoană consideră lux: coloane, o vas de toaletă aurie, un pat cu baldachin. Stil marin, tropical, industrial - și multe, multe altele.
De asemenea, trebuie menționat că americanii sunt oameni cărora nu le place să fie considerați proști, așa că nu le plac formele complexe și metaforele pe care nu le pot înțelege. Aceasta include și comparații prea simple - din același motiv. Cea mai mare parte a oamenilor ajunge în „mijlocul de aur” dintre acești poli – într-un spațiu frumos așezat, voalat doar cât să facă să pară unei persoane că el însuși a ghicit totul. Și există oameni care inventează și creează această cale de mijloc pentru cetățenii de rând.
Cultura americană se remarcă prin lipsa folclorului. Coloniștii nu aveau propriile mituri, nu au apărut noi zei - erau prea „adulti” pentru asta. Prin urmare, americanii și-au creat propriile genii și spiriduși. Au supereroi. America este singura țară care are supereroi. La urma urmei, ce este un super-erou? O persoană ideală care creează o lume ideală.

*material colectat din diverse surse

„Urât” înseamnă ușor. Bebelușii din picturile medievale arată ca niște bărbați mici de coșmar, cu niveluri ridicate de colesterol.

Iată copiii din 1350:

Copil înfiorător din 1350 în compoziția „Madona din Veverzha” a maestrului altarului Vyshebrodsky. O fotografie: .

Sau iată încă unul din 1333:

Pictat în Italia „Madona și Pruncul”, Paolo Veneziano, 1333. Foto: Mondadori Portfolio/ .

Privind la acești bărbați urâți, ne gândim cum am reușit să trecem de la imaginile medievale urâte ale copiilor la bebelușii angelici din Renaștere și timpurile moderne. Mai jos sunt două imagini care vă permit să vedeți cât de mult s-a schimbat percepția asupra feței unui copil.

O fotografie: .

Foto: Filippino Lippi/ .

De ce erau atât de mulți bebeluși urâți în tablouri? Pentru a înțelege motivele, trebuie să ne întoarcem la istoria artei, cultura medievală și chiar la ideile noastre moderne despre copii.

Poate că artiștii medievali erau pur și simplu rău la desen?

Acest tablou este din secolul al XV-lea al artistului venețian Jacopo Bellini, dar copilul este înfățișat într-un stil medieval. O fotografie: .

Copiii au fost înfățișați intenționat ca fiind urâți. Granița dintre Evul Mediu și Renaștere este utilă atunci când avem în vedere trecerea de la copiii „urați” la cei mult mai drăguți. Comparația diferitelor epoci, de regulă, dezvăluie o diferență de valori.

« Când ne gândim la copii într-o lumină fundamental diferită, acest lucru se reflectă în imagini, - spune Averett. „Aceasta a fost alegerea stilului. Am putea să ne uităm la arta medievală și să spunem că acești oameni nu arată bine. Dar dacă scopul este ca imaginea să arate ca un Picasso și vei crea o imagine realistă, atunci ți se va spune că ai greșit. Deși inovațiile artistice au venit odată cu Renașterea, ele nu sunt motivul pentru care bebelușii au devenit mai frumoși.».

Notă: Este general acceptat că Renașterea a început în secolul al XIV-lea la Florența, iar de acolo s-a răspândit în toată Europa. Totuși, ca orice mișcare intelectuală, ea este caracterizată în același timp prea larg și prea restrâns: prea amplă în sensul că se pare că valorile Renașterii au apărut instantaneu și peste tot și prea îngust prin faptul că limitează masa. trecerea la o zonă de inovare. Au existat lacune în Renaștere - era ușor să vezi o imagine a unui copil urât în ​​1521 dacă artistul s-a dedicat acestui stil.

Putem urmări două motive pentru care bebelușii din picturile din Evul Mediu arătau ca un bărbat:

• Majoritatea bebelușilor medievali erau imagini ale lui Isus. Ideea unui Iisus homuncular (că El s-a născut sub asemănarea unui adult, nu a unui copil) a influențat modul în care erau înfățișați toți copiii.

Portretele medievale ale copiilor, de regulă, au fost create din ordinul bisericii. Și asta înseamnă că l-au înfățișat fie pe Isus, fie alți câțiva copii biblici. În Evul Mediu, ideile despre Isus s-au format sub influența puternică a homunculus, care înseamnă literalmente om. « Conform acestei idei, Isus a apărut complet format și nu s-a schimbat, spune Averett. – Și dacă comparăm asta cu pictura bizantină, obținem o imagine standard a lui Isus. În unele imagini, el pare să aibă semne de chelie masculină.».

Pictură de Barnaba da Modena (lucrată între 1361 și 1383). Foto: DeAgostini/ .

Iisus homuncular (cu aspectul adult) a devenit baza pentru desenarea tuturor copiilor. De-a lungul timpului, oamenii au început pur și simplu să creadă că așa ar trebui să fie portretizați bebelușii.

• Artiștii medievali erau mai puțin interesați de realism

Această reprezentare nerealistă a lui Isus reflectă o abordare mai largă a artei medievale: artiștii din Evul Mediu erau mai puțin interesați de realism sau de formele idealizate decât omologii lor renascentist.

« Ciudățenia pe care o vedem în arta medievală provine dintr-o lipsă de interes pentru naturalism și o înclinație mai mare către tradițiile expresioniste.”, spune Averett.

La rândul său, acest lucru a dus la faptul că majoritatea oamenilor din Evul Mediu erau portretizați ca fiind similari. " Ideea libertății artistice de a atrage oamenii așa cum îți dorești ar fi nouă. Convențiile au fost respectate în art».

Datorită aderării la acest stil de pictură, bebelușii arătau ca niște papi deformați, cel puțin până la Renaștere.

Cum copiii au devenit din nou frumoși în Renaștere

Copil dulce într-un tablou de Rafael, 1506. Foto: Fine Art Images/Heritage Images/ .

Ce s-a schimbat și a dus la faptul că copiii au devenit din nou frumoși?

• Arta non-religioasă a înflorit și oamenii nu au vrut ca copiii lor să arate ca niște bărbați înfiorătoare.

« În Evul Mediu, vedem mai puține imagini ale clasei de mijloc și ale oamenilor de rând.„, spune Averett.

Odată cu Renașterea, acest lucru a început să se schimbe, pe măsură ce clasa de mijloc din Florența a înflorit, oamenii își puteau permite portrete ale copiilor lor. Popularitatea portretului a crescut, iar clienții și-au dorit ca copiii lor să arate ca niște bebeluși drăguți, nu ca niște homunculi urâți. Așa că standardele în artă s-au schimbat în multe feluri și, ca rezultat, în desenarea portretelor lui Isus.

• Idealismul renascentist a schimbat arta

« În timpul Renașterii, Averett spune, - a izbucnit un nou interes pentru observarea naturii și înfățișarea lucrurilor așa cum au fost văzute de fapt". Și nu în tradițiile expresioniste stabilite anterior. Acest lucru s-a reflectat în portrete mai realiste ale bebelușilor și în heruvimi frumoși, care au absorbit cele mai bune trăsături de la oameni reali.

• Copiii erau recunoscuți drept creaturi nevinovate

Averett avertizează să nu facă prea multe distincții cu privire la rolul copiilor în Renaștere - părinții din Evul Mediu își iubeau copiii la fel de diferit decât în ​​Renaștere. Dar însuși conceptul de copii și percepția lor s-a transformat: de la adulți mici la creaturi inocente.

Arta Evului Mediu este oarecum ciudată și uneori foarte ambiguă. Se obișnuiește să-l admiri, dar, în același timp, chiar și criticii de artă tac uneori cu sfială despre ceea ce se întâmpla în acel moment. Nu se punea problema realismului în imagini, iar mulți dintre artiști erau pur și simplu călugări plictisiți care desenau marginile cărților pentru a trece cumva timpul. Inutil să spun că această perioadă este radical diferită de tot ce s-a întâmplat mai târziu în artă.

1 iepurași ucigași

Călugării medievali au creat „manuscrise iluminate” - cărți în care fiecare pagină era plină cu opere de artă colorate (miniaturi și ornamente). Uneori umpleau pagina cu poze frumoase cu flori și iederă. Uneori, călugării au desenat ilustrații pentru cartea în sine, iar uneori, din anumite motive, au desenat iepuri care băteau oamenii în cap. Iepurii care torturează oamenii este o temă surprinzător de comună în arta medievală. Istoricii de artă modernă nu au găsit încă răspunsul la această întrebare.

Există imagini cu iepuri care se grăbesc în luptă, mutilând cavaleri, furând femei, bătând oamenii cu bâte și tăiându-i cu topoarele - și astfel de desene nu au niciodată legătură cu despre ce este vorba în cărți. Teoria principală este că astfel de desene au fost făcute pe câmp de călugări plictisiți care doreau doar să se distreze. Au crezut că ideea ca iepurii să se răzbune pe oamenii care îi vânau este amuzantă. Dar aceasta este doar o teorie.

2. Pisicile care se linsează fundul

Imaginile cu pisici au devenit populare cu mult înainte de internet. Artiștii medievali le-au pictat destul de des. Singura excepție a fost că nu s-au concentrat pe a face ca imaginea să evoce emoții pozitive și atacuri de drăgălășenie.

Din anumite motive, artiștii medievali credeau că există un singur moment demn de a fi imortalizat într-o operă de artă: momentul în care o pisică se îndoaie și își linge propriul anus. După epoca medievală, a rămas o colecție ciudat de extinsă de toarce care își lingau fesele sau testiculele. Uneori, aceste imagini sunt foarte realiste, dar cel mai adesea pisica a fost înfățișată îndoită într-un cerc complet, cu limba în regiunea celui de-al cincilea punct.

3 Femei călare pe Aristotel

Filosoful grec Aristotel a intrat destul de des în imagine. Dar pentru o scurtă perioadă de la începutul Renașterii, din anumite motive, el a început să fie portretizat în aceeași ipostază ciudată și specifică. De câțiva ani, artiștii pictează pe unul dintre cei mai respectați filosofi în patru picioare, cu o femeie călare pe el.

Uneori Aristotel avea un căpăstru în gură. În alte ocazii, femeia l-a bătut. Și, uneori, ar fi o imagine sinceră a unei femei goale care l-a bătut pe tatăl gândirii științifice. Sursa acestor picturi a fost povestea populară a soției lui Alexandru cel Mare, care l-a păcălit pe Aristotel să o călărească ca pe un ponei.

Morala poveștii a fost că femeile sunt seducătoare rele și toată lumea ar trebui să se abțină de la dorințele carnale. Așa au demonstrat lumii artiștii medievali că sunt „mai presus de poftă”.

4. Cavaleri luptă cu melci

Unul dintre cele mai ciudate lucruri pe care călugărilor le plăcea să le înfățișeze pe marginea cărților este luptele epice dintre cavaleri și melci. Între secolele al XIII-lea și al XIV-lea, din motive necunoscute, aceasta a devenit un subiect foarte popular.

„Pot fi găsite peste tot în marginile manuscriselor gotice”, a spus un savant. „Sunt literalmente peste tot și nimeni nu știe de ce.” Unii cred că aceasta este o alegorie a luptei sociale, a discriminării sau a luptei disperate a unei persoane împotriva morții inevitabile, în timp ce alții atribuie totul plictiselii călugărilor.

5. Moise cu coarne

Multă vreme oamenii au avut un obicei ciudat de a desena imagini cu Moise cu coarne pe cap. Este destul de ciudat să descrii un astfel de detaliu cu aspect demonic despre bărbatul care a scos evreii din Egipt. Și totuși, există multe exemple similare (chiar și Michelangelo a pictat altele asemănătoare).

Există o părere că artiștii medievali nici nu s-au gândit să-și bată joc de Moise. Ei chiar credeau că are coarne. Cele mai multe traduceri ale Bibliei spun că, atunci când Moise a coborât de pe Muntele Sinai cu cele Zece Porunci, chipul lui a fost „luminat cu raze de lumină”. Dar cuvântul ebraic original „keren” poate însemna fie „raz de lumină”, fie „corn”.

Astfel, Biblia ar putea afirma de fapt că Moise avea coarne. În epoca medievală a fost tipărită chiar și o copie a Bibliei, care spunea că Moise a coborât de pe munte cu coarnele pe cap. Sună nebunesc, dar unii oameni încă cred că aceasta este traducerea corectă.

6. Maria Magdalena acoperită în păr

Când artiștii gotici au pictat-o ​​pe Maria Magdalena, au făcut-o să arate ca o „expoziție” de la circul lui Barnum. Au pictat o femeie care, sub gât, era complet acoperită cu păr des. Mai mult, nu era vreun fetiș medieval ciudat, dar exact așa ar fi trebuit să arate, în opinia lor despre oamenii din acea vreme, un sfânt. La acea vreme, povestea Mariei Magdalene s-a încheiat cu o creștere a părului lânos, ceea ce o făcea să arate ca o capră.

Potrivit legendei, Maria Magdalena a abandonat complet toate bunurile pământești după moartea lui Isus. Ea a încetat să mai facă baie și să-și schimbe hainele, iar în cele din urmă hainele ei au fost complet uzate și rupte. Minunea care a salvat-o pe Maria de a rătăci în lume goală a fost părul care i-a crescut pe tot corpul. După aceea, pentru tot restul vieții, Maria a rămas goală și păroasă.

7. Uciderea oamenilor fără griji

O mare parte din arta medievală a fost violentă. Dar oricât de groaznică a fost moartea cuiva, victima se plictisește mereu. Există imagini cu oameni călcați în picioare de călăreți, cărora li s-a înfipt un cuțit în cranii sau care au fost uciși cu secure. Cu toate acestea, în fiecare imagine, victima arată de parcă se luptă să rețină un căscat. Teoria spune că totul are de-a face cu conceptul medieval de Ars moriendi, arta de a muri bine. Moartea, conform oamenilor de la acea vreme, era un test moral.

Era o perioadă în care o persoană trebuia să se confrunte cu judecata divină, iar felul în care a reacționat la aceasta vorbea despre caracterul său. Dacă o persoană plângea, striga și blestema în momentul morții, asta însemna că probabil va merge în iad. Și dacă ultima suflare a fost întâlnită cu un zâmbet, atunci persoana a plecat în rai. Toți acei morți plictișiți și-ar putea arăta doar pregătirea lor stoică de a merge în Rai. Sau artiștii medievali erau pur și simplu prost să deseneze expresiile faciale.

8. Oameni în „nave spațiale”

Din anumite motive, multe exemple de artă medievală arată oameni care zboară în mașini mici care arată ciudat ca Sputnik 1. Acest lucru este comun în toate imaginile cu Isus. Picturile medievale arată momente importante din viața lui Hristos, precum momentul în care mama sa Maria a luat copilul pentru prima dată în brațe sau momentul în care acesta a murit pe cruce.

În colțul imaginii de pe cer, există invariabil un om mic în „cabina de pilotaj al unei mici rachete albe” care zboară în spațiu. Există mai multe teorii cu privire la ceea ce reprezintă aceste imagini. Cea mai academică teorie este că imaginile sunt menite să simbolizeze „prezența străină a lui Dumnezeu”. Aceasta este doar o teorie, iar singura explicație care vine de la un artist medieval însuși sună complet fantastic.

Gravura lui Hans Glaser arată cerul deasupra orașului, plin de țevi și sfere. Glaser a semnat gravura, afirmând că este o imagine a ceea ce a văzut el întâmplându-se pe cerul de deasupra Nürnberg: o bătălie între obiecte zburătoare necunoscute. Înregistrările au supraviețuit că bătălia s-a încheiat cu sfere și mai multe „tije” zburând în soare și alte câteva obiecte care s-au prăbușit la pământ într-un nor de fum.

9. Demoni cu fețe în picioare

Artiștilor medievali le plăcea să deseneze demoni. Arta lor era plină de monștri înspăimântători care erau pe cale să ia sufletele celor nevinovați. Și dintr-un motiv oarecare, mulți dintre demoni aveau doi ochi, un nas și o gură mare chiar pe picioare. Aceste poze erau ciudat de sexy.

Adesea, fața din picioare a demonului arunca un foc falic ciudat chiar între picioare. Uneori, aceste fețe nu acopereau doar entrepiul, ci erau situate pe vârfurile organelor genitale. Era o modalitate de a arăta răul ispitei sexuale nerezonabile. Demonii trebuiau să simbolizeze pericolele poftei, iar fețele de pe picioare erau o modalitate de a arăta unde se ascundea adevărata față a răului.

Unii oameni erau atât de îngrijorați de pericolele poftei, încât demonii au fost cel mai popular subiect de artă în timpul Evului Mediu. Aparent, alți oameni erau mai puțin îngrijorați, deoarece al doilea subiect cel mai popular era oamenii angajați în plăcerile carnale.

10. Lucruri care ies din fund

Se pare că atunci când artiștii medievali nu desenau animale ucigașe și demoni cu fețe din picioare, își umpleau cărțile cu ilustrații care păreau foarte ciudate lângă Cuvântul lui Dumnezeu: imagini cu oameni cu diverse lucruri ieșind din anus.

De obicei erau țevi, dar există și alte exemple. Unele dintre pagini erau decorate cu modele frumoase de flori și frunze care ieșiseră dintr-un bărbat aplecat cu spatele spre cititor. De asemenea, era destul de obișnuit să vezi imagini cu oameni care trăgeau cu săgeți în ținte rotunde roșii pictate unul pe fesele celuilalt. De ce au desenat asta este un mister.

Tema artei din Evul Mediu este de interes pentru mulți astăzi. La urma urmei, nu degeaba a apărut pe rețea un proiect de benzi desenate. Anterior, am publicat 15 tablouri cu legende sarcastice moderne care au fost incluse în el.